Sacra Famiglia, 2026 – Stained Glass 54,5×45,0×0,8cm
di Giuseppe Abbate – Gama, Italia
Vetrate artistiche con elementi vagamente antropomorfi che richiamano figure sacre.
I colori vivaci, la trasparenza del vetro e il richiamo alle figure sacre potrebbero trovare la loro collocazione ideale nel contesto della mostra.
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Stained Glass with vaguely anthropomorphic elements that suggest sacred figures
The vibrant colors, the transparency of the glass, and the suggestion of sacred figures could fin their perfect place within the context of the exhibition.
The waves of continuity, 2024 – Oil on Canvas 100x120cm
di Massimo Borrelli, Italia
“Onde di Continuità” raffigura il cielo e il mare visti da Ercolano subito dopo l’eruzione del Vesuvio del 79 d.C. Le divisioni orizzontali in magenta e rosa rappresentano il punto d’incontro tra il cielo e le onde, che continuano il loro movimento ritmico, mentre i segni gestuali in blu scuro evocano la cenere, i lapilli e i detriti vulcanici che cadono sull’acqua. Strati di blu, grigio e viola creano una superficie stratificata dove la persistenza del mare rimane visibile nonostante la catastrofica sepoltura sovrastante.
“Onde di Continuità” incarna il tema materializzando la coesistenza di catastrofe e persistenza. Il dipinto raffigura il mare visto da Ercolano mentre cenere e lapilli cadono (segni gestuali in blu scuro, accumuli grigi), eppure le onde continuano il loro movimento (divisioni orizzontali in magenta e viola). Il mare rappresenta la continuità e la resilienza: la vita che persiste oltre la tragedia e la forza distruttiva della natura. Questa dualità coglie l’essenza del tema: le ceneri (sepoltura vulcanica, distruzione) coesistono con la luce (onde cromatiche, vitalità ininterrotta). La superficie stratificata mostra la catastrofe non come punto di arrivo, ma come strato sovrapposto alla vita che continua. In terre segnate dalla sacralità e dalla sofferenza, la pace emerge dalla tenace persistenza della vita sotto la cenere che si accumula.
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“Waves of Continuity” depicts the sky and sea viewed from Herculaneum immediately after the 79 AD eruption of Vesuvius. Horizontal divisions in magenta and pink represent where the sky meets the waves continuing their rhythmic movement, while gestural dark blue marks evoke ash, lapilli, and volcanic debris falling onto the water. Layers of blue, grey, and violet create a stratified surface where the sea’s persistence remains visible despite catastrophic burial above.
“Waves of Continuity” embodies the theme by materializing the coexistence of catastrophe and persistence. The painting depicts the sea from Herculaneum as ash and lapilli fall (dark blue gestural marks, grey accumulations), yet waves continue their movement (horizontal divisions in magenta and violet). The sea represents continuity and resilience: life persisting beyond tragedy and nature’s destructive force. This duality captures the theme’s essence: ashes (volcanic burial, destruction) coexist with light (chromatic waves, ongoing vitality). The stratified surface shows catastrophe not as endpoint but as layer upon continuing life. In lands marked by sanctity and suffering, peace emerges from life’s stubborn persistence beneath accumulating ash.
o.T (Slice IV), 2026 – Graphite drawing on velour mounted on wood 15,5×30 cm
di Nick Böttge, Germania
“o. T. (slice VI)” (2026) è un disegno a grafite su velluto montato su legno (15,5 × 30 cm). L’opera esplora strutture stratificate e forme frammentate che si intrecciano attraverso una sottile griglia. Attraverso la superficie morbida e assorbente del velluto, la grafite crea un mutevole gioco tra precisione e dissoluzione. La composizione suggerisce movimento e accumulo, evocando sistemi architettonici o organici sospesi tra costruzione e collasso.
“o. T. (slice VI)” affronta il tema Ceneri e Luce attraverso un linguaggio visivo di frammentazione, stratificazione e quieta ricostruzione. Le strutture intrecciate di grafite suggeriscono tracce, resti di forme che appaiono simultaneamente costruite ed erose. Come strati archeologici, evocano un processo di accumulazione plasmato dal tempo, dalla memoria e dalla trasformazione. Lo spettro cromatico contenuto della grafite su velluto oscilla tra un’opacità simile alla cenere e una sottile luminosità, permettendo alla luce di emergere delicatamente dall’interno del materiale. Questa tensione tra densità e splendore riflette la pace non come una condizione fissa, ma come una fragile e continua negoziazione, qualcosa che si forma gradualmente dall’instabilità e dalla frattura. Nel contesto storico e spirituale delle Basiliche di Cimitile, l’opera risuona con idee di stratificazione e continuità. Propone la pace come un processo di stratificazione piuttosto che di cancellazione: una delicata riconfigurazione di ciò che rimane, dove la memoria diventa il terreno da cui può sorgere il rinnovamento.
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o. T. (slice VI)” (2026) is a graphite drawing on velour mounted on wood (15.5 × 30 cm). The work explores layered structures and fragmented forms that intertwine across a subtle grid. Through the soft, absorbent surface of velour, the graphite creates a shifting interplay between precision and dissolution. The composition suggests movement and accumulation, evoking architectural or organic systems caught between construction and collapse.
“o. T. (slice VI)” engages with the theme Ashes and Light through a visual language of fragmentation, layering, and quiet reconstruction. The interwoven graphite structures suggest traces—remnants of forms that appear simultaneously built and eroded. Like archaeological strata, they evoke a process of accumulation shaped by time, memory, and transformation. The restrained chromatic spectrum of graphite on velour moves between ash-like opacity and subtle luminosity, allowing light to emerge softly from within the material. This tension between density and radiance reflects peace not as a fixed condition, but as a fragile, ongoing negotiation—something that forms gradually from instability and fracture. Within the historical and spiritual context of the Basilicas of Cimitile, the work resonates with ideas of stratification and continuity. It proposes peace as a process of layering rather than erasure: a delicate reconfiguration of what remains, where memory becomes the ground from which renewal can arise.
IL RESPIRO DELLA TERRA, 2026 – INSTALLAZIONE AMBIENTALE, terracotta patinata, legno combusto, cenere, ferro 150x200x120 cm
di Maria Rachele Branca, Italia
IL RESPIRO DELLA TERRA è un’opera ispirata al romanzo La vegetariana di Han Kang. Qui la protagonista tenta di sottrarsi alla violenza del mondo, sognando di trasformarsi in un albero: un essere incapace di nuocere ad altre forme viventi, in contrapposizione a quanto testimoniato dalla foresta incendiata installata sotto il busto in terracotta. Tuttavia, l’opera alimenta una speranza nella rigenerazione del tronco annerito in cui si radica l’essenza vitale del corpo femminile, inscrivendo la propria trasformazione nel ciclo stesso della natura.
IL RESPIRO DELLA TERRA si inserisce nel dialogo proposto da “Ceneri e luce: cromie di pace in terra di santi”, iscrivendone l’idea di pace come processo fragile: non uno stato compiuto, ma una tensione continua tra ferita e rigenerazione, che non cancella le ceneri della storia, ma emerge attraverso di esse.
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THE BREATH OF THE EARTH is a work inspired by Han Kang’s novel The Vegetarian. Here, the protagonist attempts to escape the violence of the world, dreaming of transforming into a tree: a being incapable of harming other living beings, in contrast to the burned forest beneath the terracotta bust. However, the work fosters hope in the regeneration of the blackened trunk in which the vital essence of the female body is rooted, inscribing its transformation within the very cycle of nature.
THE BREATH OF THE EARTH fits into the dialogue proposed by “Ashes and Light: Colors of Peace in the Land of Saints,” instilling the idea of peace as a fragile process: not a completed state, but a continuous tension between wound and regeneration, which does not erase the ashes of history, but emerges through them.
Antica Ricerca- la Spiga, 2004 – tecnica mista: metallo, canapa, gesso, acrilici 80×45 x30cm
di Massimo Carriero, Italia
L’ opera “Antica Ricerca” è una scultura importante nella mia ricerca artistica; il concetto guida riguarda il mondo del microcosmo umano; 5 figure, sono aggrappate l’una sull’altra incastrate come vertebre di una colonna dosale; queste figure salendo allargano le proprie braccia verso l’alto cercando simbolicamente di toccare qualcosa di immateriale; ricorda il simbolismo appunto dell’ascesa della coscienza umana formata da strutture quasi ossee; inoltre richiama al concetto della spina di pesce e della spiga di grano; così come questa matura al sole, altrettanto la coscienza dell’uomo matura al Sole spirituale della propria coscienza data dall’esperienza di se stesso e delle generazioni.
L’opera si collega poiché tratta il tema della Coscienza Umana e dei valori collegati con essa quali pace, ascesa, salita attraverso una antica ricerca interiore dell’essere umano. Anche il materiale volutamente delicato come il gesso, apparentemente tende a sgretolarsi e sottolinea col colore e la sua materia la fragilità umana e della Pace che costantemente ricerca dentro sé e nel mondo esteriore.
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The work “Antica Ricerca” is an important sculpture in my artistic research; its guiding concept concerns the world of the human microcosm; five figures are clinging to one another, interlocking like the vertebrae of a spinal column; as they ascend, these figures extend their arms upward, symbolically seeking to touch something immaterial. It recalls the symbolism of the ascent of human consciousness, formed by almost bony structures. It also recalls the concept of the herringbone and the ear of wheat; just as this matures in the sun, so too does human consciousness mature in the spiritual Sun of its own consciousness, born of the experience of itself and of generations.
The work is connected because it deals with the theme of human consciousness and the values associated with it, such as peace, ascent, and ascent, through an ancient inner quest of the human being. Even the deliberately delicate material, plaster, seemingly tends to crumble, and through its color and texture, it emphasizes human fragility and the Peace it constantly seeks within itself and in the external world.
Phoenix, 2026 – oil painting 80x80cm
di Maria Danilenko, Germania
Quest’opera fa parte della mia serie Fenice, che esplora la trasformazione e la liberazione attraverso la forma simbolica. La fenice è raffigurata nell’istante dell’ascesa, emergendo dalla distruzione per rinascere. L’opera riflette sulla resilienza interiore e sulla persistenza della luce nell’oscurità. Il volo diventa metafora della libertà emotiva ed esistenziale, esprimendo l’impulso umano a trascendere i limiti e a muoversi verso l’autorealizzazione.
In relazione al tema “Cenere e Luce: Cromatiche di Pace in una Terra di Santi”, quest’opera interpreta la fenice come una soglia sacra tra distruzione e trascendenza. Le ceneri rappresentano la rottura e la fragilità, mentre la luce si manifesta come uno splendore interiore che non può essere spento. La struttura cromatica dell’opera suggerisce la pace come un processo di divenire, non imposto, ma che emerge dall’interno. La figura ascendente incarna la resistenza spirituale e la possibilità di rinnovamento in un paesaggio segnato dalla memoria e dalla trasformazione.
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This work is part of my series Phoenix, which explores transformation and liberation through symbolic form. The phoenix is depicted in the moment of ascent, emerging from destruction into renewed presence. The work reflects on inner resilience and the persistence of light within darkness. Flight becomes a metaphor for emotional and existential freedom, expressing the human impulse to transcend limitation and move toward self-realization.
In relation to the theme “Ashes and Light: Chromatics of Peace in a Land of Saints,” this work interprets the phoenix as a sacred threshold between destruction and transcendence. The ashes represent rupture and fragility, while the light manifests as an inner radiance that cannot be extinguished. The chromatic structure of the piece suggests peace as a process of becoming — not imposed, but emerging from within. The ascending figure embodies spiritual endurance and the possibility of renewal in a landscape marked by memory and transformation.
Hope for the Human Condition, 2025 – Painting and Mixed Media 109x53cm
di Rika Maja Duevel, Norvegia
Ispirata alla storia di Pippa Bacca e alla sua speranza e fiducia nella condizione umana, quest’opera, un’opera d’arte indossabile, riflette su coloro che ci hanno ispirato con il loro coraggio e sacrificio. Coloro che sono le nostre Ceneri e la nostra Luce. Individui le cui esperienze ci hanno portato a riflettere sulla sicurezza e sulla società. Sull’importanza e la consapevolezza di come la storia plasmi anche il futuro.
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Inspired by the story of Pippa Bacca and her hope and belief for the human condition. A key represents a tool for protection and a hope for the future. This is a wearable art piece, inspired by Pippa Becca’s performance art.
My piece Hope for the Human Condition reflects on those who have inspired us through their bravery and sacrifice. Those who are our Ashes and Light. Individuals whose experiences bring attention to safety and society. The importance and awareness of how history also shapes the future.
Flowers, 2021 – Oil on canvas 50×70 cm
di Barbora Gazurova – Sharuzen, Slovacchia
Uno studio sul conflitto interiore e sull’emozione repressa. La figura stringe tra le mani delle rose, simbolo al contempo di offerta e difesa, il suo sguardo diretto che si confronta con lo spettatore rivelando una vulnerabilità celata da una quieta forza.
Quest’opera risponde al tema “Cenere e Luce” attraverso un contrasto psicologico e spirituale. Lo sfondo scuro, quasi cinereo, suggerisce un paesaggio segnato dalla sofferenza, dal silenzio e dalla memoria. Da questa oscurità emerge la luce, che illumina il volto della figura e il simbolismo cromatico delle rose che stringe. Le rose rosse, bianche e rosa diventano portatrici di molteplici significati: sacrificio, purezza e fragile speranza. Strette tra le mani, suggeriscono che la pace non è passiva, ma va conquistata, protetta e talvolta strappata al dolore. Lo sguardo della figura non raffigura la serenità come assenza di lotta, bensì come consapevolezza plasmata da essa. In una “terra di santi”, la santità non è perfezione, ma resistenza. Questo dipinto suggerisce che la pace non nasce dall’innocenza, ma dalla capacità di sopravvivere alle ceneri e di scegliere, nonostante tutto, di custodire la luce.
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A study of inner conflict and restrained emotion. The subject clutches roses as both offering and defense, her direct gaze confronting the viewer with vulnerability wrapped in quiet strength.
This work responds to the theme “Ashes and Light” through a psychological and spiritual contrast. The dark, almost ashen background suggests a landscape marked by suffering, silence, and memory. From this obscurity, light emerges — illuminating the figure’s face and the chromatic symbolism of the roses she holds. The red, white, and pink roses become carriers of layered meaning: sacrifice, purity, and fragile hope. Held tightly, they suggest that peace is not passive — it is gripped, protected, and sometimes wrestled from pain. The subject’s gaze does not depict serenity as absence of struggle, but as awareness shaped by it. In a “land of saints,” sanctity is not perfection, but endurance. This painting proposes that peace is born not from innocence, but from surviving the ashes and choosing to hold light nonetheless.
Eternal Spring, 2025 – Painting, acrylic on canvas 44,5×55 cm
di Martha Green Doran, Regno Unito
La Primavera Eterna si risveglia con speranza, verità e amore per una pace senza fine. Trasformazione e Rigenerazione Eternamente in Primavera.
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Eternal Spring awakens with hope, truth and love for an everlasting peace. Transformation and Regeneration Eternally in Spring.
Die asche blüht, 2026 – acrylic, ashes and pastell on canvas 50x70cm
di Elke Hubmann Kniely, Austria
Le ceneri non rappresentano solo distruzione, ma anche un nuovo inizio. E la luce ti accompagnerà sicuramente lungo il tuo cammino.
A volte le ceneri simboleggiano la fine, ma dopo un po’ cominciano a rifiorire sulla superficie bruciata e, con l’aiuto della luce, improvvisamente si apre davanti a te un percorso completamente nuovo.
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Ashes not only represent destruction but also new beginning. And light will surely accompany you on your own way.
Sometimes ashes means the end, but after a while it starts to bloom on the burned surface and with the help of light you suddenly see a completely new path ahead
Praiskon (Primordial origin), 2025 – plaster and acrylic on canvas 70x50cm
di Isidora Jovanovski, Serbia
“Praiskon / Origine Primordiale” riflette il momento dell’emersione: il punto misterioso in cui l’esistenza inizia a prendere forma. Attraverso texture stratificate e tonalità profonde e contrastanti, il dipinto evoca l’impulso primordiale che dà origine alla materia, al movimento e alla trasformazione. L’opera suggerisce uno spazio tra oscurità e luce, caos e creazione, dove appare la prima scintilla del divenire.
Nel contesto della mostra “Cenere e Luce: Cromatiche di Pace in una Terra di Santi”, l’opera riflette il paradosso della creazione che emerge da un’apparente distruzione. Evocando l’immagine della luce che sorge dalle ceneri, l’inizio primordiale diventa simbolo di rinnovamento, speranza e della quieta resilienza della vita: la sua duratura capacità di trasformare l’oscurità nella possibilità di una nuova esistenza.
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“Praiskon / Primordial Origin” reflects the moment of emergence — the mysterious point where existence begins to take form. Through layered textures and deep, contrasting tones, the painting evokes the primal impulse that gives birth to matter, movement, and transformation. The work suggests a space between darkness and light, chaos and creation, where the first spark of becoming appears.
In the context of the exhibition “Ashes and Light: Chromatics of Peace in a Land of Saints,” the work reflects the paradox of creation emerging from apparent destruction. Evoking the image of light rising from ashes, the primordial beginning becomes a symbol of renewal, hope, and the quiet resilience of life — its enduring capacity to transform darkness into the possibility of new existence.
Rise of the golden hope , 2025 – Digital Painting 40x40cm
di Gerhard Kroyer , Austria
Una croce radiosa, dalle sfumature oro e cremisi, si erge dalle ombre e dalle ceneri, incarnando la quieta presenza dei santi. Trasforma la sofferenza in una luce soave, dove la pace non viene imposta ma si dispiega dolcemente, rappresentando una quiete interiore nata dalla grazia e dall’abbandono.
In quest’opera, la santità non è distante o austera; è intima. I santi si percepiscono nel silenzioso splendore, il loro sacrificio si addolcisce in compassione. La croce non impone; ascolta. Diventa un luogo d’incontro dove il dolore viene accolto e lentamente trasformato in quiete. La pace qui non è l’assenza di lotta, ma la sua serena risoluzione. La santità non si trova al di sopra o al di là, ma all’interno delle stesse correnti dell’esperienza umana.
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A radiant cross of flowing gold and crimson rises from shadow and ashes, embodying the quiet presence of saints. It transforms suffering into gentle light, where peace is not imposed but softly unfolds, representing an inner stillness born of grace and surrender.
In this work, sanctity is not distant or austere; it is intimate. The saints are felt in the silent radiance, their sacrifice is softened into compassion. The cross does not impose; it listens. It becomes a meeting place where sorrow is received and slowly turned into stillness. Peace here is not the absence of struggle, but its quiet resolution. Holiness is not found above or beyond, but within the very currents of human experience.
Elle, – Collage, paper on black coloured wood 85x55cm
di Maike Sarai Lausen, Svizzera
L’opera esplora la relazione tra stati interiori e percezione esteriore. Le possibilità dell’interiorità plasmano il modo in cui interagiamo con l’esterno. Ciò che si dispiega interiormente non rimane nascosto, ma si manifesta attraverso frammenti, tracce e distorsioni che emergono e diventano visibili.
Piuttosto che formare un’immagine fissa, Elle riflette un processo continuo di divenire, in cui il significato rimane instabile, oscillando tra controllo e dissoluzione.
In risposta a “Cenere e Luce: Cromatiche di Pace nella Terra dei Santi”, affronto il tema come una condizione di trasformazione piuttosto che di risoluzione.
Le ceneri rappresentano ciò che rimane dopo i processi di cambiamento: residui di memoria, tensione ed esperienza. La luce, al contrario, segna momenti di emersione, in cui qualcosa di precedentemente celato diventa percepibile.
La pace, in questo contesto, non è intesa come uno stato stabile o definitivo, ma come un fragile equilibrio che nasce dall’oscillazione tra dissoluzione e illuminazione.
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The work explores the relationship between inner states and outward perception. The possibilities of the inner shape the way we engage with the outer. What unfolds within does not remain hidden, but manifests through fragments, traces, and distortions that surface into visibility.
Rather than forming a fixed image, Elle reflects a continuous process of becoming — where meaning remains unstable, shifting between control and dissolution.
In response to “Ashes and Light: Chromatics of Peace in the Land of Saints,” I approach the theme as a condition of transformation rather than resolution.
Ashes represent what remains after processes of change — residues of memory, tension, and experience. Light, in contrast, marks moments of emergence, where something previously concealed becomes perceptible.
Peace, in this context, is not understood as a stable or final state, but as a fragile equilibrium that arises within the oscillation between dissolution and illumination.
Jedared, 2026 – Ebru technique 33x26cm
di Valentina Moravčević, Serbia
L’opera è composta da due sezioni astratte disposte orizzontalmente che ricordano frammenti di pietra, cenere o sezioni geologiche. Attraverso venature organiche e texture stratificate in una tavolozza monocromatica di grigi, neri e bianchi tenui, esploro i processi di sedimentazione, erosione e il lento movimento della materia nel tempo. La sezione superiore è concepita come uno spazio più fluido e luminoso, con linee che suggeriscono dispersione e movimento, mentre la sezione inferiore rimane più densa, frammentata e visivamente pesante. La loro relazione crea un dialogo teso ma equilibrato tra leggerezza e gravità, illuminazione e sedimento, flusso e contenimento.
In quest’opera, rifletto sulla pace come processo di trasformazione piuttosto che come stato finale. Le texture simili alla cenere rappresentano tracce di storia, perdita e memoria collettiva, il residuo che rimane dopo un’esperienza intensa. Tuttavia, non percepisco la cenere solo come un segno di distruzione; la vedo come un materiale da cui può emergere una nuova chiarezza. Non contrappongo la luce all’oscurità, ma la intendo come qualcosa che nasce dall’interno di essa. La divisione orizzontale diventa, per me, una soglia tra il terreno e lo spirituale, tra il peso dell’esperienza vissuta e la possibilità di elevazione. La struttura inferiore, più scura, racchiude strati di passato e resilienza materiale, mentre la sezione superiore suggerisce quiete e illuminazione interiore. Nel contesto del tema, la “terra dei santi” non è un luogo senza ferite, ma uno spazio in cui la pace si plasma dalle ceneri, un equilibrio fragile ma duraturo tra oscurità e luce.
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The work consists of two horizontally positioned abstract sections that resemble fragments of stone, ash, or geological cross-sections. Through organic marbling and layered textures in a monochromatic palette of greys, blacks, and muted off-whites, I explore processes of sedimentation, erosion, and the slow movement of matter through time. I shape the upper segment as a more fluid and luminous space, with lines that suggest dispersion and motion, while the lower section remains denser, fractured, and visually weighted. Their relationship forms a tense yet balanced dialogue between lightness and gravity, illumination and sediment, flow and containment.
In this work, I reflect on peace as a process of transformation rather than a final state. The ash-like textures represent traces of history, loss, and collective memory, the residue that remains after intense experience. Yet I do not perceive ash only as a sign of destruction; I see it as a material from which new clarity can emerge. I do not position light in opposition to darkness, but understand it as something that arises from within it. The horizontal division becomes, for me, a threshold between the earthly and the spiritual, between the weight of lived experience and the possibility of elevation. The darker lower structure carries layers of the past and material resilience, while the upper section suggests quiet stillness and inner illumination. Within the context of the theme, the “land of saints” is not a place without wounds, but a space where peace is shaped from ashes, a fragile yet enduring balance between darkness and light.
The Good Shepherd with Saints , 2026 – mixed, canvas 104x87cm
di Attila Olasz , Ungheria
Il Buon Pastore in compagnia di santi, con un uccellino e un albero in fiore sulla riva dell’acqua. Dipinto su una tela grezza che ricorda la superficie di antichi muri.
Simbolo dell’arte paleocristiana è la figura del Buon Pastore. Per me, la sua figura e l’uccellino bianco rappresentano la vicinanza umana e la pace. L’acqua e l’albero in fiore sono simboli di rinascita. Il materiale, simile al carbone, rimanda anche alle ceneri, nel colore.
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The Good Shepherd in the company of saints, with a bird and a budding tree on the water’s edge. Drawn on a raw canvas reminiscent of the surface of old walls.
The symbol of early Christian art is the figure of the Good Shepherd. For me, his figure and the white bird represents human closeness and peace. Water and the budding tree are symbols of rebirth. The material of coal also refers to ashes, in color.
Jesus of Metaxourgeio, 2026 – Repurposed Furniture and tv antena 80x80x20cm
di Basilios Papaioannou, Grecia
“Gesù di Metaxourgerio” è un’opera d’arte realizzata con materiali di recupero, composta da una sedia barocca dismessa e parti di un’antenna televisiva, ritrovate a Metaxourgerio, un quartiere periferico di Atene, in Grecia. Le proporzioni e la presentazione si ispirano all’Uomo Vitruviano e alle immagini di Cristo crocifisso. La croce è rappresentata in modo sottile da tasselli di legno che unificano anche tutte le parti del corpo.
“Gesù di Metaxourgerio” è una rappresentazione contemporanea della Crocifissione di Gesù. Il legame tra la sua morte e rinascita è simboleggiato dalla morte e rinascita della materialità dell’opera. Viviamo in un flusso costante di cambiamenti e la conseguenza è quella di scartare ciò che viene considerato vecchio o fuori moda. È importante celebrare il passato nella memoria e trovare bellezza e speranza nella trasformazione di oggetti di uso quotidiano in opere d’arte. L’oro ha sempre svolto un ruolo importante nella simbologia religiosa, rappresentando la divinità, l’eternità e la luce eterna, elevando l’esperienza spirituale e la speranza in un mondo incerto.
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Jesus of Metaxourgio is a repurposed art work, made of a discarded baroque chair and parts of a TV antenna that I found in Metaxourgio, an inner city suburb in Athens, Greece. The proportions and the presentation are inspired by the Vitruvian Man and images of a crucified Christ. The cross is subtlety represented by timber dowels that also unify all the body parts together.
Jesus of Metaxourgio is a contemporary representation of the Crucifixion of Jesus on the Cross. The link between his death and rebirth is represented with the death and rebirth of the materiality of the art work. We are in a constant flux of change and the result is to discard what is deemed as old or old fashioned. It is important to celebrate the past in memory and find beauty and hope by the emergence of repurposing discarded every day objects in to art work. Gold has always played an important role in religious symbolism as divinity, eternity, and everlasting light and to elevate spiritual experience and hope in an uncertain world.
Luce D’Amore, 2025 – Mixed Media 100x100cm
di Alexandra Piras, Belgio
In “Luce d’amore”, ho adottato un approccio diverso rispetto alle mie opere con LED integrati. Una delicata linea dorata si snoda su una tela nera: nessuna luce esterna, solo il bagliore intrinseco della pittura dorata contro il vuoto. La fessura qui è più tenue, più intima. Rappresenta l’idea che alcune ferite portano con sé una luce propria.
“Luce d’amore” si collega a questo tema attraverso il contrasto. La tela nera rappresenta le ceneri, ciò che rimane dopo la trasformazione. La fessura dorata è la luce che emerge dall’interno, non imposta dall’esterno. Questa ferita porta con sé una propria luminosità. Nel contesto dei santi e della pace, ho voluto mostrare che la luce non cancella l’oscurità, ma coesiste con essa. La crepa è al tempo stesso rottura e rivelazione, suggerendo che la pace si trova non evitando le ferite, ma lasciandole risplendere.
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In “Luce d’amore,” I took a different approach from my LED-integrated works. A delicate golden line traces across black canvas—no external light, just the inherent glow of golden paint against void. The fissure here is gentler, more intimate. It represents the idea that some wounds carry their own light.
“Luce d’amore” connects to this theme through contrast. The black canvas represents ashes—what remains after transformation. The golden fissure is the light that emerges from within, not imposed from outside. This wound carries its own luminosity. In the context of saints and peace, I wanted to show that light doesn’t erase darkness—it coexists with it. The crack is both rupture and revelation, suggesting that peace is found not by avoiding wounds but by letting them glow.
Edge of Disappearance, 2026 – Watercolor, paper. 40x50cm
di Galina Poloz, Moldova
“Sull’orlo della scomparsa” è un acquerello bagnato su bagnato che raffigura le rovine del castello di Slains sulla frastagliata costa scozzese. Le pennellate fluide sfumano i contorni dell’immagine, creando un senso di momento liminale tra presenza e assenza.
Quest’opera risponde al tema esprimendo la pace attraverso la trasformazione. I pigmenti che si dissolvono sfumano i confini tra presenza e decadenza, suggerendo che i momenti del passato, svanendo gradualmente come cenere, cedono il passo alla quiete e alla riflessione. Ammorbidendo la forma dell’immagine, il dipinto crea un sereno equilibrio cromatico, dove memoria e transitorietà risuonano con l’idea di pace in un contesto sacro.
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“On the Edge of Disappearance” is a wet-on-wet watercolor depicting the ruins of Slains Castle on the rugged Scottish coast. The flowing paints blur the image’s contours, creating a sense of the liminal moment between presence and absence.
This work responds to the theme by expressing peace through transformation. Dissolving pigments blur the boundaries between presence and decay, suggesting that moments of the past, gradually fading like ashes, give way to stillness and reflection. By softening the image’s form, the painting creates a calm chromatic balance, where memory and transience resonate with the idea of peace in a sacred context.
Keeper of the Threshold, 2026 – mixed media on Canson paper 70x50cm
di Andreea Puiu- PAI – INNER LINES, Romania
Il Custode della Soglia abita lo spazio sospeso tra rottura e divenire. In un campo segnato dall’oscurità e da tracce d’oro, la trasformazione si dispiega silenziosamente come un atto interiore di riconciliazione.
Emergendo da un denso campo di tenebre, la figura mantiene la tensione tra ciò che è andato perduto e ciò che aspira a sorgere. In piedi sulla soglia della luce, segna una presenza silenziosa che allude alla speranza. In questo stato sospeso, la pace diventa un attraversamento attivo: un fragile allineamento interiore plasmato dalla memoria e dalla consapevolezza.
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The Keeper of the Threshold inhabits the suspended space between rupture and becoming. Within a field marked by darkness and traces of gold, transformation unfolds quietly as an inner act of reconciliation.
Emerging from a dense field of darkness, the figure holds the tension between what has been lost and what seeks to arise. Standing at the threshold of light, it marks a quiet presence that gestures toward hope. In this suspended state, peace becomes an active crossing — a fragile inner alignment shaped by memory and awareness.
Senza titolo, 2010 – pittura a rilievo 100x70cm
di Antonio Rodi Napolitano , Italia
Opera senza titolo, si tratta di un ciclo di opere dedicato alla morte della natura e dell’ambiente e il degrado sociale.
L’impronta del pneumatico che affonda nella materia, nella terra, segno indelebile di una società in declino, che ha toccato il fondo, il colore nero è un non colore, annullamento, azzeramento, mentre la statuetta della madonna, legata all’opera con un fil di ferro simboleggia la speranza e la rinascita dell’umanità.
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Untitled work, this is a series of works dedicated to the death of nature and the environment, and social decay.
The tire track sinking into the material, into the earth, is an indelible sign of a society in decline, one that has hit rock bottom. The color black is a non-color, a symbol of annihilation, a nullification, while the statuette of the Madonna, tied to the work with wire, symbolizes hope and the rebirth of humanity.
Rays of Hope, 2025 – canvas, acrylic, gold leaf 59,4x42cm
di Oksana Rohovska- Roksana, Irlanda
Questo dipinto è un’allegoria poetica che intreccia due stati polari – cenere e luce – come simboli di prova e speranza. La tela raffigura immagini luminose: gocce d’acqua, lacrime come simbolo di purificazione e gigli tenuti nelle mani del Creatore, che sbocciano anche in mezzo all’oscurità e al caos. La loro delicata tavolozza blu-bianca crea un senso di purezza cristallina, ispirazione e pace spirituale. I centri luminosi dei fiori simboleggiano la luce divina, che porta calma e illuminazione nel mondo del sacro. Sul lato destro del dipinto, frammenti scuri simili a schegge e uccelli ombrosi appaiono come simboli della cenere del passato e della sofferenza sopportata. Un filo dorato e raggi di luce che trafiggono il dipinto incarnano l’idea di speranza, fede incrollabile e pace preservata anche nei momenti più difficili. L’opera invita lo spettatore a riflettere su come una nuova luce spirituale nasca dal dolore e dalle ceneri dell’esperienza, e su come la pace possa essere raggiunta anche in un mondo pieno di prove, se la forza del bene pulsa nei cuori dei “santi”.
Il tema della mostra si rivela qui attraverso l’armonia dei contrasti, dove ogni sfumatura e pennellata porta con sé il ricordo di una lotta spirituale e una luce di speranza. Questa tela è come le preghiere dei santi, che si ergono come resistenza spirituale contro le forze distruttive, sempre accompagnati da luce, speranza e fede. Il dipinto esplora la complessa interazione tra la luce della speranza e l’ombra della perdita che attraversa la sfera spirituale. I fiori luminosi qui sbocciano come anime che risplendono attraverso le ceneri della sofferenza e delle prove terrene, formando una tavolozza di sfumature di pace – non una calma assoluta, ma un’armonia nata dalla lotta e dalla purificazione interiore. Quest’immagine simboleggia la trasformazione, dove la cenere del passato diventa terreno fertile per una nuova vita e la luce diventa la via verso la santità, la compassione e il perdono.
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This painting is a poetic allegory intertwining two polar states — ash and light — as symbols of trial and hope. The canvas depicts luminous images: drops of water, tears as a symbol of cleansing, and lilies held in the Creator’s hands, which grow even amidst darkness and chaos. Their delicate blue-white palette creates a sense of crystalline purity, inspiration, and spiritual peace. The bright, light centers of the flowers symbolize divine light, bringing calm and enlightenment to the world of the sacred. On the right side of the painting, dark fragments resembling shards and shadowy birds appear, as if symbols of the ash of the past and endured suffering. A golden thread and rays of light piercing through the painting embody the idea of hope, unshakable faith, and peace preserved even in the hardest of times. The artwork invites the viewer to reflect on how new spiritual light is born through pain and ashes of experience, and how peace can be touched even in a world full of trials — if the power of good pulses in the hearts of the “holy.”
The theme of the exhibition is revealed here through the harmony of contrasts, where every shade and brushstroke carries a memory of spiritual struggle and a light of hope. This canvas is like the prayers of the saints, who stand as a spiritual resistance against destructive forces, always accompanied by light, hope, and faith. The painting explores the complex interplay between the light of hope and the shadow of loss that passes through the spiritual realm. The bright flowers here unfold like souls shining through the ashes of suffering and earthly trials, forming a palette of shades of peace — not absolute calm, but a harmony born from struggle and inner purification. This image symbolizes transformation, where the ash of the past becomes fertile ground for new life, and the light becomes the path to holiness, compassion, and forgiveness.
Reflection, 2026 – oil on canvas 46x38cm
di Fabien Serio- Soulstorm, Francia
Al centro del dipinto si può scorgere una figura. La silhouette non è eccessivamente dettagliata, ma suggerisce un’apparizione nella foresta.
La luce proviene dalla silhouette che emerge in questa foresta oscura. Il suo riflesso ne suggerisce lo splendore. È come una santa serena in un universo caotico.
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You can see a figure at the center of the painting. The silhouette is not overly detailed but suggested as an apparition in the forest
The light comes from the silhouette appearing in this dark forest. its reflection suggests its brilliance. she is like a peaceful saint in a chaotic universe
The Reverse Side of Memory , 2025 – Mixed media assemblage (raw wood, jute, crochet, charcoal) 35,5×50,5 cm
di Silvija Sikavica, Croazia
Ho trascorso un decennio lavorando su impalcature come collaboratore in progetti di conservazione e restauro, ridando vita ad affreschi gotici del XV secolo (1442) e alla policromia dell’arte sacra. Facevo parte di una squadra che sfidava il tempo. Oggi faccio l’opposto: documento l’irreversibile decadenza della mente umana. La mia pratica è un “restauro inverso”. “Il lato oscuro della memoria” non è un dipinto; è una registrazione clinica ed emotiva di un’identità che scompare. Realizzata su un pannello di legno grezzo e segnato, con tre nodi naturali, l’opera è una collisione tra calore domestico e decadenza terminale. Ho “cucito” la luce di una tovaglia all’uncinetto sulle fibre grezze ed esposte di un sacco di iuta: i resti scheletrici di una vita divorata dalla demenza. Un singolo chiodo di ferro invecchiato trafigge il legno sulla destra: una violenta perforazione che ancora il fragile uncinetto alla cruda realtà della decadenza. Il titolo, ‘Naličje sjećanja’, è inciso con carbone grezzo – la sostanza stessa delle ceneri – in una scrittura debole e infantile. Questa traccia di carbonio segna il tragico cerchio che si chiude, dove l’innocenza del primo ricordo incontra il silenzio fatale dell’ultimo. Nello spazio sacro delle Basiliche Cimitile, offro quest’opera come una preghiera tattile. È un invito allo spettatore: guarda queste ‘ceneri’ della mente e trova l’unica cosa che non può essere cancellata: il filo grezzo e frastagliato dell’amore che rimane quando la persona non c’è più.
L’opera si confronta direttamente con il tema ‘Cenere e Luce’ attraverso un dialogo tra distruzione e rinascita. Dopo aver trascorso un decennio a restaurare affreschi del XV secolo, ora pratico un ‘restauro inverso’, documentando l’erosione irreversibile della mente umana (la demenza). Le ‘Cenere’ sono rappresentate da carbone grezzo e legno invecchiato, a segnare la traccia di carbonio di un’identità che scompare. La “Luce” emerge attraverso il delicato uncinetto “cucito” e un tessuto blu brillante: una tonalità di pace che persiste anche tra le rovine della memoria. Nel contesto sacro delle Basiliche Cimitile, quest’opera si configura come una preghiera tattile, esplorando la pace come un fragile processo di ricostruzione. È la testimonianza che dalle macerie del passato, un filo di spirito resiliente rimane indelebile.
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I spent a decade on scaffolding as a collaborator on conservation and restoration projects, breathing life into 15th-century Gothic frescoes (1442) and the polychromy of sacred art. I was part of a team that defies time. Today, I do the opposite: I document the irreversible rot of the human mind. My practice is a ‘reverse restoration.’ ‘The Reverse Side of Memory’ is not a painting; it is a clinical and emotional record of a disappearing identity. Built upon a raw, scarred wooden panel with three natural knots, the work is a collision of domestic warmth and terminal decay. I have ‘sutured’ the light of a crocheted tablecloth onto the raw, exposed fibers of a jute sack—the skeletal remains of a life being eaten away by dementia. A single, aged iron nail pierces the wood on the right—a violent puncture that anchors the fragile crochet to the raw reality of decay. The title, ‘Naličje sjećanja’, is scratched in raw charcoal—the very substance of ashes—in a feeble, childlike script. This carbon trace marks the tragic full circle where the innocence of the first memory meets the terminal silence of the last. In the hallowed space of the Cimitile Basilicas, I offer this work as a tactile prayer. It is a demand to the viewer: look at these ‘ashes’ of the mind and find the only thing that cannot be erased—the raw, jagged thread of love that remains when the person is already gone.
The artwork directly engages with the theme ‘Ashes and Light’ through a dialogue between destruction and rebirth. Having spent a decade restoring 15th-century frescoes, I now practice a ‘reverse restoration’—documenting the irreversible erosion of the human mind (dementia). The ‘Ashes’ are represented by raw charcoal and distressed wood, marking the carbon trace of a disappearing identity. The ‘Light’ emerges through the delicate, ‘sutured’ crochet and a bright blue textile—a chromatic of peace that persists even in the ruins of memory. In the sacred context of the Cimitile Basilicas, this work serves as a tactile prayer, exploring peace as a fragile process of reconstruction. It is a testament that from the debris of the past, a resilient thread of spirit remains indelible.
We Will Begin Anew, 2025 – acrylic, canvas 100x50cm
di Paulina Staniec, Polonia
Il dipinto presenta un paesaggio monumentale e architettonico dominato da tonalità scure e terrose e da forme strutturali che ricordano rovine industriali o storiche. La tavolozza cupa è interrotta da la luce che filtra attraverso la parte superiore della composizione e si riflette in primo piano nella parte inferiore. L’opera utilizza una tecnica espressiva e materica che enfatizza la materialità grezza della scena.
L’opera “Ricominceremo da capo” si configura come una meditazione visiva sul dialogo tra distruzione e rinascita, in linea con il tema della mostra. Le strutture scure e imponenti rappresentano le “Cenere”, il peso della storia, della memoria e dei resti materiali del passato. Al contrario, i blu emergenti e i riflessi luminosi incarnano la “Luce”, simbolo di speranza e del fragile ma necessario processo di ricostruzione dalle rovine e di ripristino della pace. Raffigurando uno spazio che fonde l’estetica dei templi antichi con l’architettura moderna, l’opera si allinea alla stratificazione spirituale del sito storico di Cimitile. Suggerisce che la pace non sia uno stato statico, ma un atto creativo – un “nuovo inizio” – che deve sorgere dalle rovine della storia. I “cromatici della pace” si ritrovano qui nella transizione dall’ombra alla luce, a simboleggiare un viaggio dalla materia allo spirito.
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The painting presents a monumental, architectural landscape dominated by dark, earthy tones and structural forms reminiscent of industrial or historical ruins. The somber palette is interrupted by light that filter through the upper part of the composition and reflect in the lower foreground. The work utilizes a textured, expressive technique that emphasizes the raw materiality of the scene.
The artwork “We Will Begin Anew” serves as a visual meditation on the dialogue between destruction and rebirth, directly corresponding to the exhibition’s theme. The dark, heavy structures represent the “Ashes”—the weight of history, memory, and the material remains of the past. Conversely, the emerging blues and bright reflections embody the “Light,” symbolizing hope and the fragile yet necessary process of rebuilding from ruins and restoring peace. By depicting a space that blends the aesthetics of ancient temples with modern architecture, the work aligns with the spiritual stratification of the historic site in Cimitile. It suggests that peace is not a static state, but a creative act—a “beginning anew”—that must arise from the ruins of history. The “chromatics of peace” are found here in the transition from shadow to light, reflecting a journey from matter to spirit.
The Moment of Piercing Light, 2026 – Mixed media on canvas 24x30cm
di Iva Stefanova- IS, Bulgaria
Il mio dipinto è stato ispirato sia dalla teologia che dalla fisica dell’oscurità. Agostino scrive: «Il male non ha natura positiva; ma la perdita del bene ha ricevuto il nome di “male”» (La Città di Dio, XI.9). Secoli dopo, Tommaso d’Aquino afferma: «Il male non è altro che una privazione del bene» (Summa Theologiae, I, q.49, a.1). Sia nel pensiero che nell’immagine, l’oscurità non è una forza rivale della luce, ma un’assenza sostenuta dall’illusione. Così come la fisica insegna che l’oscurità non ha sostanza propria – è solo l’assenza di luce – allo stesso modo la teologia insiste sul fatto che il male non ha un essere indipendente. Persino in astronomia, l’oscurità del cielo notturno non è una forza che si oppone alla luce, ma un segno di distanza e di tempo: la luce delle stelle lontane non ci ha ancora raggiunto, oppure si è dispersa nello spazio in espansione. Ciò che appare vuoto o soverchiante è spesso solo ciò che la luce non ha ancora toccato. Questo dipinto si colloca all’interno di quell’orizzonte condiviso: dove la luce penetra, l’assenza cede il passo e ciò che sembrava assoluto si rivela fragile e prossimo al nulla.
Nella terra delle ceneri, l’oscurità rivendica un potere assoluto. Eppure sopravvive solo per illusione. Basta una piccola apertura – un singolo gesto luminoso: una santa parola di pace, un sacro atto di amore che si dona – perché la luce penetri, lacerando il tessuto stesso della notte.
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My painting was inspired by both theology and physics of darkness. Augustine writes, “Evil has no positive nature; but the loss of good has received the name ‘evil’” (City of God, XI.9). Centuries later, Thomas Aquinas affirms, “Evil is nothing else than a privation of good” (Summa Theologiae, I, q.49, a.1). In both thought and image, darkness is not a rival power to light but an absence sustained by illusion. Just as physics teaches that darkness has no substance of its own — only the absence of light — so theology insists that evil has no independent being. Even in astronomy, the darkness of the night sky is not a force opposing light, but a sign of distance and time: light from distant stars has not yet reached us, or has thinned across expanding space. What appears empty or overpowering is often only what light has not yet touched. This painting stands within that shared horizon: where light enters, absence gives way, and what seemed absolute is revealed as fragile and close to non-existence.
In the land of ash, darkness lays claim to absolute power. Yet it endures only by illusion. A narrow opening is enough – a single luminous gesture: a saintly word of peace, a holy act of self-giving love – for the light to pierce through, tearing apart the very fabric of the the night.
Unpermanent View, 2025. – Charcoal and dry pastel on paper 50×35 cm
di Dragana B Stevanovic, Serbia
Attraverso una cornice immaginaria, vediamo qualcosa di impermanente, come una nuvola che può dissolversi da un momento all’altro. L’impermanenza è ciò che ho voluto rappresentare in quest’opera.
Quest’opera fa parte di una nuova serie di disegni dal titolo provvisorio: Fortezze instabili, che ho iniziato a realizzare dopo la tragedia avvenuta nel mio paese, dove 17 persone hanno perso la vita in una stazione ferroviaria. Le costruzioni instabili evocano un senso di insicurezza, paura e la percezione di un tempo che scorre inesorabile. Anche i materiali che utilizzo sono fragili, morbidi e instabili per loro stessa natura.
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Through imagined framevork we see something impermanent, like cloud that will desintegrate in any moment. Impermanence is what I wanted to show in this work.
This work is part of new series of drawings with working title: Unstable Fortresess, that I started to work on after tragedy in my country when 17 people lost their life at Train station. Unstable constructions brings senses of insecurity, fear and fast passing of time. Materials that I use are fragile, soft and unstable by their nature too.
In the morning light , 2026 – Watercolor on paper 40x50cm
di Jenny Tsoneva, Bulgaria
Dipinto ispirato dalla sensazione che, anche dopo la notte più lunga, la luce del mattino arriverà, portando speranza, calma e una serena forza. Attraverso il silenzio avvolto dalle ombre, la luce discende non per cancellare l’oscurità, ma per trasformarla: un silenzioso invito ad avere fiducia nella luce.
“Nella luce del mattino” riflette il dialogo tra ombra e luce che permea l’intera mostra. La fitta foresta incarna il peso della notte: le ceneri simboliche della resistenza, del silenzio e delle prove invisibili. La luce del mattino che scende non cancella l’oscurità; vi penetra dolcemente, trasformandola dall’interno. Attraverso una tavolozza sobria di verdi tenui, grigi e bianchi sfumati, l’opera esplora la pace non come trionfo, ma come quieta riconciliazione. La luce riflessa sull’acqua suggerisce armonia interiore: un’eco tra il mondo esteriore e la dimensione spirituale. In questo modo, il dipinto parla di una terra segnata dalla storia e dalla resilienza, dove la sacralità non si trova nello sfarzo, ma nella speranza incrollabile, e dove, dopo ogni lunga notte, la luce ritorna.
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Painted from the feeling that even after the longest night, the morning light shall come — bringing hope, calm, and quiet strength. Through shadowed silence, the light descends not to erase the darkness, but to transform it — a quiet reminder to trust the light.
“In the Morning Light” reflects the exhibition’s dialogue between shadow and illumination. The dense forest embodies the weight of night — the symbolic ashes of endurance, silence, and unseen trials. The descending morning light does not erase the darkness; it enters it gently, transforming it from within. Through a restrained palette of muted greens, greys, and diffused whites, the work explores peace not as triumph, but as quiet reconciliation. The reflected light on the water suggests inner harmony — an echo between the outer world and the spiritual interior. In this way, the painting speaks to a land marked by history and resilience, where sanctity is found not in spectacle, but in steadfast hope — and where, after every long night, light returns.
